Béla Anton LeoÅ¡ Fleck é um nova-iorquino nascido em 1958. Seu nome é uma homenagem ao compositor húngaro Béla Bartók, e foi aos quinze anos que ele recebeu seu primeiro banjo. Pois é, já era hora de mudar um pouco de estilo por aqui, não? Nada de rock ou blues, hoje. O assunto hoje é jazz instrumental.
Foi em 1988 que Béla Fleck se juntou ao baixista Victor Wooten, o percussionista Roy Wooten, conhecido por seu nome artístico, Future Man, e o gaitista Howard Levy. Estava então formado o grupo Béla Fleck and the Flecktones, uma das grandes maravilhas da música instrumental. O grupo só teve uma mudança na formação. Levy deixou o quarteto após o terceiro álbum, UFO Tofu. O trio remanescente lançou ainda dois álbuns, Three Flew Over the Cuckoo’s Nest, em 1993, e Live Art, em 1996, antes que Jeff Coffin adicionasse o som de seu saxofone ao grupo e eles voltassem a ser um quarteto.
O grupo, que toca uma mistura de jazz, funk e bluegrass – e hoje toca o que existe de mais livre na música, se desprendendo desse negócio de estilos -, tem, na minha opinião, o tipo de som indispensável para qualquer pessoa que realmente aprecie boa música, especialmente para os fãs da música instrumental. Todos os integrantes são ótimos instrumentistas e o conjunto funciona tão bem que é extasiante ouvir uma peça dos caras. Sendo música instrumental, a coisa toda é mais complexa do que boa parte das coisas que se ouve por aí, com fraseados em ritmos interessantes e mais swingados, que, claro, diversas vezes foge bastante do simples 4/4 do rock popular e ás vezes soa mais balançado e interessante que o 12/8 do blues. A qualidade do som faz com que a falta de voz seja simplesmente irrelevante. Aliás, melhor me corrigir, aqui: A excelente voz dos instrumentos faz com que voz humana seja completamente desnecessária.
Me soa mais interessante falar um pouco sobre cada integrante do grupo separadamente ao invés de encher o bando como um todo de elogios. Pois comecemos com Victor Wooten. Não que se precise falar muita coisa de alguém que toca baixo desde os dois anos. Um monstro, cara, um baita de um monstro. São os irmãos Wooten que ditam o ritmo dos Flecktones, e Victor geralmente leva a platéia ao delírio com sua excelência no baixo. Sua técnica é no mínimo respeitável. Ele usa desde slaps rápidos e sincopados a arpejos endemoniados e empolgantes pra cacete. Victor deixou o baixo mais próximo da guitarra, usando-o como instrumento solista, e não só como pano de fundo. Claro, antes dele gente como Jaco Pastorius também fez isso, mas não é só porque existe o monstrão supremo que o Victor vai ser menos monstruoso. O cara levou o prêmio de baixista do ano três vezes consecutivas pela Bass Player Magazine, e foi a primeira pessoa a ser premiada mais de uma vez. E não foi á toa. Ainda duvida? Pois bem, um vídeo vale mais que qualquer texto. O cara desce tanto cacete no baixo que arrebenta a corda. Não que isso atrapalhe, ó lá:
Repara em como ele é possuído por um espírito guerreiro africano no fim.
Ainda em família, vamos ao Future Man. Irmão de Victor – que, aliás, tocou com ele e seus outros três irmãos como “The Wooten Brothers”, uma maravilha – e percussionista do grupo, o cara toca drumitar. Uma maravilha de instrumento, aliás. Simplificando a coisa, o troço é mais ou menos uma bateria eletrônica num corpo de guitarra (pois é, NM, eu sinto destruir seus sonhos revelando que Tony da Gatôrra não foi o primeiro). E o cara desce o sarrafo na bagaça, também. Eu imagino jazz seja uma das coisas mais complicadas que os percussionistas e bateristas enfrentam por aí, e, bom, Future Man sabe enfrentar as coisas muito bem. ó o cara aí:
Pra que tocar um instrumento se você pode tocar TRÊS?
Jeff Coffin. Além do saxofone, o cara toca clarineta e flauta. E se tocar os dois tão bem quanto toca o saxofone o cara tá feito na vida, véi. Aliás, só com o saxofone ele já tá. Entrou pros Flecktones em 1997, e foi uma adição do carái pro bando. Como todos os outros integrantes do grupo, ele tem vários projetos solo, mas isso é assunto pra outra hora. Coffin é famoso por tocar dois saxofones (um alto e um tenor) ao mesmo tempo, e, claro, por pirar pra cacete. Por exemplo, ó aí ele pirando. Victor Wooten na base, uma maravilha:
É, eu sei que tem uns cortes no vídeo, mas é empolgante assim mesmo.
Por fim, o cara que dá nome á banda. Béla Fleck. Talvez você não preste muita atenção naquele gordinho curvado no meio do palco, tocando seu banjo quieto enquanto o resto da banda pula pra lá e pra cá espancando os instrumentos. Pois é, mas é exatamente ele o frontman da banda. E não se engane pelas aparências: Béla Fleck toca como o diabo. É só dar uma reparada no som do cara durante as músicas. Como eu sei que ao invés de fazê-lo vocês vão é se empolgar com as pirações do Wooten, tive o cuidado de escolher um vídeo de Béla Fleck sem os Flecktones. Aliás, o cara toca com o Steve Martin aí. É, esse Steve Martin, mesmo. E o Martin toca bem, aliás. Tá certo, o Fleck dá um banho em todo mundo ali, mas não é exatamente isso que vocês querem ver desde o começo? Quanto á menção a Yo-Yo Ma no começo do vídeo, conhecer o violoncelista chinês (que na verdade é americano) é o dever de casa de vocês.
“Se Yo-Yo Ma estivesse sentado aqui, você perguntaria a ele ‘e aí, você toca outra coisa, além do violoncelo’?”
Maravilha, não? E é aí que você pensa “e como esse troço fica juntando tudo?”. Eis a resposta. Várias delas, aliás:
Big Country. Bela música.
Scratch and Sniff.
The Sinister Minister, ainda da época do Howard. Meu vídeo preferido pra colocar aqui. Tem o tipo de melodia que não sai da cabeça.
Lover’s Leap. Gostei pra cacete dessa, nunca tinha ouvido. Outra melodia que fica na cabeça.
Tá aí. Um pouco de jazz pra vocês. Minha pesquisa foi um tanto apressada, admito, mas espero que vocês tenham curtido o som.
Como vocês já devem ter reparado, cada sonho erótico do théo acaba virando um Overdose por aqui. Foi assim quando ele teve sonhos eróticos com Dave Grohl, quando assistiu Brokeback Mountain e, agora, quando ele teve um surto homossexual querendo ter a língua chupada pelo Nicolas Cage. O lado bom é que isso me deu motivo pra resenhar esse filme do cacete. O ruim é que quanto mais gente estiver resenhando por aqui, menos vai lavar o maldito convés.
A grande questão é: Como se começa uma resenha dessas? Eu me sinto quase na obrigação de fazer o começo da resenha ser tão explosivo quanto o começo do próprio filme. Porque esse é simplesmente o melhor início de filme que qualquer ser humano consciente poderia ver no mundo. Quer dizer, pra que as preliminares, véi? Nego quer ver é o sangue, a matança. E é exatamente o que David Lynch nos dá logo no início. Você ainda duvida? Pois bem, não diga que eu não te avisei:
VIOLENÇA, MALUCO! HAHAHAHAHAH!
Pois é, a coisa já começa preta pro lado de Sailor Ripley, como vocês provavelmente já notaram. O filme, dirigido por David Lynch, como eu já sugeri lá em cima, é baseado no romance de mesmo nome escrito por Barry Gifford e lançado em 1990. Não que vocês queiram saber disso, ces querem saber é de matança. Pois voltando ao que interessa, o maluco vai pra cadeia depois do incidente, e é quando ele é solto que a piração toda começ… digo, aumenta. Sailor e Lula Pace Fortune (a loira histérica da cena ali em cima, interpretada por Laura Dern) resolvem fugir da mãe psicopata e ditatorial da moça. Parece simples, não? Pois é, só parece. O fato da tal mãe, Marietta Fortune, namorar tanto um detetive particular quanto um gângster começa a embolar um pouco as coisas. Tudo isso recheado de uma porrada de referências a O Mágico de Oz e a Elvis Presley (não só na música e no jeito de Sailor. dá pra ver referências a filmes do Elvis, também). Agora já parece bizarro o suficiente? Espera então até você ver as cenas com o Bobby Peru, ou o show da banda Powermad. Do caralho as cenas. Aliás, o filme todo é do caralho.
“Bobby Peru não para pra pegar ar.”
Sailor é, na minha opinião, o melhor papel já feito por Nicolas Cage em toda a história dos filmes. O cara caiu como uma luva pro papel. Quer dizer, de vez em quando nego tem que acertar, né? Porque porra, motoqueiro fantasma, véi? Enfim, se o que você quer ver na sua tela é um road movie infestado de sanguinolência, esquisitice, sanguinolência, personagens carismáticos, sanguinolência, brutalidade e VIOLENÇA, pode pegar Coração Selvagem sem medo, cara. A fotografia do filme é do caralho, as falas são do caralho (porra, QUEM nunca quis dizer “o que vocês querem, bichonas?” pra um bando de vagabundo?), as atuações são do caralho e… porra, por que ce ainda tá lendo isso aqui, seu animal? Vá assistir o maldito filme!
Agora, se você é uma bichona de estômago fraco, não só passe longe do filme, mas também retire-se da minha frente, antes que eu lhe enfie uma bala do tamanho dum TUBARÃO no meio da cara.
Filme de 1997, dirigido por Simon West e produzido por Jerry Bruckheimer (Rá, eu sou MUITO comedor, mesmo, escrevi o sobrenome do puto de primeira!). Concorreu ao oscar por melhor música e nhé nhé nhé. Passada a frescuragem, vamos á ação.
Nic dessa vez é Cameron Poe, um militar condecorado dos EUA, com uma bela carreira e uma bela mulher, uma garçonete. E em breve vai ter uma bela filha, também, já que sua esposa já tá grávida desde o começo do filme. O cara mal volta do Alabama, onde ele cumpria o seu dever na Guerra do Golfo, e reencontra a mulé. É claro que tinha que dar merda. É o que todo mundo quer, cara. Se não der merda, não tem pancadaria. A coisa é bem rápida, até. Nego aparece querendo BOLINAR a mulher de Poe (não o escritor, seu doente! eu botei o nome em negrito, até!), e o cara acaba acidentalmente cobrindo um deles de porrada até a morte, logo no começo do filme, mesmo. Aí ele é preso, e… porra, sou só eu ou eu já resenhei a mesma coisa antes[butar o link pra resenha de CORAÇÃO SELVAGEM, aqui]?
Bom, tanto faz, onde eu tava, mesmo? Ah, sim, o cara é preso, porque mesmo tendo desossado o cara em legítima defesa, a carreira militar e o fato de ser interpretado por Nicolas Cage fazem do cidadão uma arma viva. Pois bem, lá vai o maluco pra prisão, perder sete anos da vida, sem reclamar. Durante o tempo na prisão, o filme mostra que Poe é um bom sujeito. Ele faz tudo pra crescer enquanto tá preso, ao contrário do que a maioria das pessoas fazem. Aprende espanhol, origami e o caralho a quatro, e se comunica com sua filha através de cartas. A grande sorte dele é que os sete anos não duram mais que três ou quatro cenas, e logo Cameron já tá pronto pra sair da prisão. E é aí que finalmente entra a parte boa do filme.
Depois desse set-up todo, a maior parte do filme corre naquele estilão “perigo-no-espaço-curto-de-um-veículo-motorizado-enquanto-personagens-fora-do- perigo-se-desesperam”, que você pode ver em Velocidade Máxima, Serpentes a Bordo e esses troços assim, sabe? A coisa toda corre no avião que transportaria Cameron pra casa. Como sempre, parece simples o bastante pra dar certo, né? E é por isso que o roteirista do filme encheu o tal avião de bandidos da pior espécie, desde psicopatas caipirões com uma pinta de James Hetfield a versões de Hannibal Lecter que assassinam crianças. Só gente ruim de se conviver, mas ótima de se ver num filme de ação.
O filme parece, de um certo modo, girar em torno da esperança. Cameron continuar uma pessoa íntegra e justa mesmo depois da vida sacanear ele durante o filme todo funciona mais ou menos como se nego dissesse “nem todo mundo cede á corrupção, cara. ainda existe gente decente por aí, e se nego realmente quiser, nego não se corrompe”. Não deixa de ser uma idéia bacana, claro. O filme é muito bom, apesar de ter aquele formato já manjado de filme de ação. Eu acho que vale á pena assistir, mesmo que ele seja um pouco clichê.
Pra concluir a resenha, a única coisa que eu posso dizer é: Assistam Coração Selvagem[mais uma vez, ponham o link]. Não, véi, eu não me confundi com os nomes, tô recomendando que ces vejam o OUTRO filme que eu resenhei, mesmo. Ces podem aproveitar a viagem e alugar(ou baixar) Con Air, claro, o filme é do cacete, mas todo mundo precisa ver Sailor Ripley chutando bundas.
Cá estou eu, entrando nessa onda de resenhar os bagulhos de 2007 que ainda faltavam. E, bom, já era pra eu ter resenhado esse álbum faz algum tempo. Acontece que eu só consegui ouví-lo semana passada. Agora chega de conversa fiada, vamos á review:
Em primeiro lugar, acho que não existe necessidade nenhuma de dizer quem é Mark Knopfler. Muito menos depois de eu já ter feito isso aqui. Mas sempre vale lembrar que o cara é ótimo, e ainda não decepcionou os fãs da boa música. E eu não acho que algum dia ele vá chegar a decepcionar, aliás. O disco foi lançado em setembro de 2007 e chegou ao 26º lugar na Billboard, se é que eu não me enganei. Como já é de costume aqui no site, lá vai a análise música a música.
True Love Will Never Fade, single lançado na europa, abre o álbum com uma levada bem country, que fica ainda mais evidente quando a voz inconfundível de Knopfler começa a cantar. O refrão a duas vozes dá o toque final, e, assim, o disco se inicia com uma bela canção. Muito bacana.
Terminada a música, começa, de um modo bem suave, a balada The Scaffolder’s Wife, que já tem uma pegada completamente folk. Os instrumentos de sopro causam um efeito interessante na música, e o tom nostálgico da música, junto com a voz tranqüila de Mark, fazem com que você se sinta quase na presença de um bom contador de histórias. E contar boas histórias através da música é algo que Mark Knopfler sempre soube fazer, e muito bem.
Falando em histórias, The Fizzy And The Still segue um pouco a mesma linha. Aqui a coisa volta a ter um tom mais country que folk, e o tom melancólico da canção deixa essa coisa toda de contar história muito bonita. Quer dizer, é bem difícil hoje em dia encontrar quem cante uma história triste tão bem com poucas palavras. Não existe mais muita gente que transforme esse tipo de coisa em música: geralmente o que fazem são choradeiras irritantes, lembrando bebês cagados querendo chamar a atenção. Não é o caso de Mark Knopfler. Nunca foi, aliás.
Heart Full Of Holes – uma das músicas mais brilhantes do álbum – começa lembrando de relance a bela Why Worry, ainda da época do Dire Straits. Talvez pelo começo sereno, ou pelas linhas iniciais (“You can tell me your troubles/ I’ll listen for free”, e por aí vai), mas a coisa vai crescendo aos poucos, e passa de uma simples canção calma a uma grandiosa canção sobre vida, morte, o tempo e o mundo, e muito mais, talvez. O modo sereno com o qual Knopfler fala das próprias tristezas e dos problemas do mundo mostra tanto lucidez quanto prontidão pra enfrentar a vida. Mais uma coisa difícil de se ver hoje em dia. Não dá pra duvidar da genialidade do cara depois de uma jóia dessas.
Um pouco mais adiante no álbum, temos We Can Get Wild. Tanto a parte instrumental quanto a voz soam quase como um tema de faroeste, e isso acaba combinando com a letra, que é mais positiva. O refrão (“Listen up, right here/ It’s gonna be a beautiful year”) tem aquela simplicidade que as letras do cara sempre tiveram. O tipo de coisa que soa simples, mas, mesmo assim, muito bonito e poético, sabe? Enfim, vale á pena ouvir.
Secondary Waltz é exatamente o que o título diz: Uma valsa. Três por quatro numa levada dançante, com cordas e tudo mais. Tudo isso com uma forte influência country. Me pareceu até uma das músicas mais calmas dos Pogues, só que sem os sopros, e sem o Shane. Como todas as outras, também uma música muito bacana.
A sétima música é Punish the Monkey, que também virou single, dessa vez nos EUA e no Canadá. A percussão no início me lembrou bastante Ride Across The River, que você pode ouvir no álbum Brothers In Arms, do Dire Straits. E eu também vou usá-la pra ilustrar melhor essa review. Melhor que ler sobre a música é ouví-la:
Let It All Go tem uma ótima letra sobre a própria arte e sobre oportunidades. Ao mesmo tempo em que o refrão soa quase sarcástico – “Go, forget it, let it all go, let it all go” parece ter o efeito contrário no ouvinte, como se o cara dissesse “vá, homem, seja imbecil e jogue fora o sonho da sua vida” -, ela, de um modo bastante sutil, alerta sobre as dificuldades de se viver de arte. Isso se nota mais quando se imagina a música cantada por um pai preocupado, que quer que o filho não se perca ao trocar a vida comum e estável por uma vida arriscada de sonhos, mas quando se imagina o próprio Mark Knopfler tocando, dá pra sentir todo aquele negócio de jogar fora as oportunidades. Enfim, mais uma ótima letra, e mais uma ótima música.
Behind With The Rent soa diferente das músicas até agora. É algo mais urbano, bem mais pro jazz do que todas as outras músicas do álbum. O timbre de guitarra característico do Knopfler tá aí, bem como o teclado já clássico nas músicas dele. Põe pra tocar que essa é boa.
Quase terminando o álbum, ouvimos The Fish And The Bird. Mais uma balada contando uma história, dessa vez através de metáforas. Isso me lembra aquele negócio que dizem sobre a arte, sabe? O livro depois de escrito não pertence mais ao escritor. A interpretação do mesmo depende só do leitor, e aquela coisa toda. Desnecessário dizer que a música é muito boa.
Mark Knopfler começa a penúltima música, Madame Geneva’s, com o verso “I’m a maker of ballads right pretty”. Você já me convenceu disso, Mark. E depois dessa eu nem sinto necessidade nenhuma de comentar a música.
Quanto á música que fecha essa maravilha (In The Sky), me lembro de ter ouvido um certo huno dizer que o sax nela fez a bagaça lembrar aquelas músicas do Kenny G. As que vivem usando pra fazer propaganda de professor de português, sabe? E cá estou eu, ouvindo a música mais uma vez, pra tentar discordar dele…
…a desgraça é que eu concordo. O cara realmente deu uma escorregada aí. Ele já usou sax em muita música e sempre ficou melhor do que isso aí. Enfim, a música não é ruim, mas o sax realmente ficou deprimente. Ponto pro Huno.
No fim das contas, o cara lançou um ótimo cd. Claro que você não vai gostar nada se ouvir a bagaça esperando ouvir um som pesadão pra caralho. Mas o disco é uma verdadeira maravilha, véi. Quem curte Dire Straits provavelmente não vai se desapontar com o trabalho do cara.
1977, auge do punk rock. A onda é fazer barulheira simples e direta, e dizer que faz isso como protesto contra o rock clássico e cheio de firulas. E é no meio do fogo cruzado entre as superproduções dos anos 70 e a barulheira do punk raivoso que o escocês Mark Knopfler se levanta, junto a seu irmão David, o baixista John Illsley e o baterista Pick Withers, pra mostrar que música ainda é música. Nascia o Dire Straits, uma das bandas mais únicas que já passou por esse mundo. Quer dizer, os caras aparecem do nada numa época em que o que vale é fazer shows gigantescos e fazer barulho pra cacete, e resolvem tocar um som mais suave. Reparem que “suave” não quer dizer que seja som de fresco. Mesmo porque tem muita coisa de fresco que é barulhenta pra cacete, e… bom, deixa isso pra outra hora. O fato é que o Dire Straits não demorou nada pra ser um sucesso absoluto, conseguindo levar discos de platina com seu primeiro álbum, homônimo á banda, gravado em 1978. Claro que não dava pra esperar nada muito diferente de uma banda que logo no primeiro álbum lança um hit lendário como Sultans of Swing. Eu sei que vocês todos sabem do que eu tô falando, mas é claro que vocês querem ver a bagaça. Pois bem. Sultans of Swing pra vocês:
You feel alright when you hear that music ring!
O som dos caras, rock’n’roll com uma pegada bastante country, é o tipo de coisa que faz sucesso em qualquer canto, seja tocado num bar imundo de beira de estrada, numa roda de violão com os amigos ou num show enorme diante de milhares de fãs. E o som da guitarra de Mark Knopfler é quase tão inconfundível quanto a cara de pastel que ele faz ao tocar, que faz com que pareça que tocar guitarra é a coisa mais fácil do mundo e que você é um mané por não conseguir tocar direito. Quer dizer, não pode ser complicado tocar guitarra se o cara toca a guitarra principal, canta e ainda consegue partir numa viagem astral, pelo que a cara dele indica, né? Enfim, eu falava do estilo inconfundível do Knopfler. Você sente como se tudo o que o cara toca tivesse assinado, até. O tipo de frase que ele usa na guitarra, com aquela pegada meio country, meio blues, meio rock, é realmente fácil de identificar. Mesma coisa pro cara cantando. É aquele negócio de você ouvir uma música e, mesmo sem conhecer, dizer “isso é coisa do Dire Straits, cara”. De qualquer jeito, chega de enrolação, voltemos á história da banda.
Os caras lançaram ótimos discos como o Communiqué, em 1979, Making Movies (que lançou os clássicos Tunnel of Love e Romeo and Juliet), em 1980 e Love Over Gold, de 1982. Mas foi Brothers in Arms, que saiu em 1985, o álbum que pirou a bagaça toda. Não só por ser um ótimo álbum (na minha opinião, o melhor deles) ou por ter sido o álbum mais vendido naquele ano em toda a inglaterra, mas também por ter sido um dos primeiros álbuns lançados em CD, e por lançar o primeiro clipe exibido na MTV inglesa, Money for Nothing, e também por ter provavelmente lançado o primeiro single em CD. Dizem que na época mais gente tinha o CD de Brothers in Arms do que CD players. E o motivo pra isso você vê aí em baixo. O video é de So Far Away, a primeira música do álbum:
See, you’ve been in the sun, and I’ve been in the rain, and you so far awaaay from me!
A banda, que mudou algumas vezes de formação (Knopfler e Illsley foram os únicos membros da formação inicial até o fim da banda) durante sua existência, foi dissolvida sem estardalhaço em 1995, quando Mark resolveu parar de fazer tours em larga escala pra trabalhar em tempo integral na carreira solo e em trilhas sonoras de filmes (como Local Hero e Wag the Dog). O cara até hoje lança álbuns solo, e ainda não decepcionou ninguém. Guy Fletcher, baterista do Dire Straits por um longo tempo, participou de grande parte dos projetos solo de Knopfler.
É claro que eu sugiro que vocês ouçam o máximo de músicas que puderem dos caras, afinal, eles foram simplesmente geniais. E, claro, eu ainda sou muito generoso com vocês, a ponto de procurar quatro vídeos ótimos pra que vocês apreciem essa banda, que, na minha humilde e piratesca opinião, é simplesmente imperdível.
O clipe de Brothers In Arms. Não podia faltar aqui:
We were fools to make war on our brotheeers in aaaaaarms…
On Every Street, do álbum de mesmo nome:
And it’s yoooour face I’m looking for… on every street.
O clipe de Tunnel of Love. Repara na mulher que veste uma SACOLA PLÍSTICA como blusa e no cara girando deitado no discão:
Come on and take a low ride with me, girl… on the tunnel of love!
Pra terminar, Walk of Life:
…aaaand he do the walk! He do the walk of liiiiife!
Bom, moçada, a gente já falou bastante de blues aqui, pelo jeito. Começamos com Stevie Ray Vaughan, passamos por Eric Clapton e chegamos até Buddy Guy. Pois bem, vamos voltar mais um pouco no tempo: chegou a hora de falar do REI. Hoj… QUÊ?! Roberto Carlos é aquele que amordaça a TUA MÃE, seu cão sarnento! Retire-se daqui imediatamente! Eu tô falando de B.B. King, porra.
Pra começar, um cara que é vegetariano, diabético, não bebe e nem fuma e ainda assim consegue se tornar o Rei merece respeito. Quer dizer, ninguém questiona o cara por isso. É uma baita proeza, devo dizer.
Enfim, o cara toca por aí desde 1946. Aliás, ele nasceu em 25, cara. B.B. King só não é seu bisavô porque sua bisavó não tinha troco pra mil réis. Sua primeira tentativa foi em Memphis, Tenessee, mas a coisa foi complicada pra ele. Depois de alguns meses, o cara voltou pro Mississipi, mas dois anos depois ele já tava em Memphis de novo. Sua carreira começou mesmo na rádio WDIA, como cantor. Não demorou muito pro cara arranjar uma gravadora: Em 49 ele começou a gravar com a RPM Records, e antes disso ele já tinha gravado o single Miss Martha King, que não deu tão certo assim na época. E, claro, com um vozeirão daqueles, arrumar trabalho no rádio não seria nada muito difícil: o cara foi disc jockey ainda em Memphis, e foi lá que ele ganhou o apelido “Beale Street Blues Boy” (Imagino que vocês já consigam enxergar de onde veio o BB). Nos anos 50, o cara se esbaldou. Era um dos maiores nomes do R&B e lançava sucesso feito água. Hits como Every Day I Have the Blues, Sweet Little Angel e Bad Luck fazem parte de seu vasto arsenal de músicas que estouraram durante a década. E é Every Day I Have the Blues que você confere aí em baixo, num dueto com Linda Hopkins:
O rei influenciou praticamente q… aliás, praticamente uma pinóia. Se você toca blues, você é fã de B.B. King. Qualquer excessão é um caso de extrema boiolice aguda. O cara influenciou Eric Clapton, Buddy Guy, os Allman Brothers, Jackson do Pandeiro, Michael Jackson, a sua mãe e o bozo. Aliás, ele deve ter influenciado até gente que nasceu antes dele, como John Lee Hooker e Howlin’ Wolf. Prêmios, então, nem se fala. Só na Billboard o cara já deve ter aparecido mais de oitenta vezes (74 vezes entre 1951 e 1985, segundo a wikipedia). Mas também, pra um cara que tocou mais de quinze mil vezes ao vivo, não se podia esperar nada muito diferente. Dizer que o cara foi uma das primeiras pessoas a entrar no Rock’n’Roll Hall of Fame me parece desnecessário. Aliás, falar qualquer coisa sobre prêmios que ele tenha ganho me parece desnecessário. Prefiro deixar mais um vídeo do cara aqui pra vocês se divertirem:
É claro que todo rei precisa de uma rainha. Pois eu creio que pelo menos um punhado de gente aqui já conheça a inseparável companheira de B.B. King: Lucille. O próprio rei define sua relação com a rainha da melhor maneira que poderia fazer: “Cerca de quinze vezes, mulheres já me disseram ‘Escolha: Sou eu ou Lucille’. É por isso que eu tive quinze filhos com quinze mulheres”. A guitarra ganhou o nome depois do dia em que King escapou de um incêndio que começou por causa de dois homens que brigavam por uma tal Lucille. Só depois de conseguir escapar do prédio em segurança, B.B. percebeu que tinha esquecido a guitarra lá dentro. Foi aí que ele voltou todo doidão lá pra dentro e salvou a pobrezinha. O rei deu o nome á guitarra pra se lembrar de nunca esquecer a coitadinha de novo. E esse foi provavelmente um dos casamentos mais bem-sucedidos que já se teve notícia. E um ótimo negócio, também. Quer dizer, guitarras não entram de tpm, não discutem a relação e não tem ciúmes de outras gordinhas. Aliás, elas te AJUDAM a arrumar outras gordinhas. Talvez por isso eles vivam felizes juntos até hoje. Agora chega de papo, que eu sei que ces querem ver a Lucille em ação (heh) .
Cara, e pensar que ainda tem gente que acha que tocar bem é tocar rápido. Não existe Yngwie Malmsteen no mundo que me convença que um solo em semifusas a 5000 batidas por minuto é melhor do que QUALQUER frase tocada pelo Rei. Se depois de ouvir B.B. King você ainda prefere ouvir nego subir e descer arpejo em metal melódico, você é uma bichona irremediável.
Se você quer mais do Rei, aliás, eu sugiro que você procure o DVD do Crossroads Festival, do Clapton. Lá você vai ver todo mundo que foi citado nessas últimas matérias, menos o Stevie Ray Vaughan… se bem que o irmão do cara tá lá.
Eu fiz o possível pela salvação de vocês, caras. Seu gosto musical duvidoso não tem como ser culpa minha.
Talvez alguns de vocês se lembrem de A Capital dos Mortos. Pois bem, bando de maricas, foi dada a vocês uma nova chance de participar como zumbis.
A Capital dos Mortos é o primeiro filme de zumbis no Brasil a ultrapassar a marca dos 90 minutos. Dirigido por Tiago Belotti, o filme tem empolgado vários cidadãos brasilienses, incluindo este que vos escreve, a participar como figurantes. O filme, uma produção independente, tem tudo pra virar uma ótima obra do cinema brasileiro, e deve estrear em breve. Mas isso tudo você pode ler na outra matéria sobre o filme. O que interessa agora é o dia 25.
Nesse domingo, dia 25 de novembro, será feita uma nova tentativa de se gravar a tão esperada cena dos 100 zumbis. Pois é, moçada, ces tem uma nova chance, agora. Deviam largar de ser frangos e aproveitar, dessa vez.
A gravação será feita no Setor Bancário Sul, em frente ao prédio do BRB, em Brasília, DF, ás 13hs. Mais informações sobre a gravação você encontra na comunidade dos caras no Orkut.
Essa provavelmente é sua última chance, marujo! Não vá perder e se arrepender depois. E assim que soubermos a data do lançamento do filme, disponibilizaremos a informação pra vocês. Afinal, não queremos que esse filme passe batido, queremos?
Desde o começo da televisão, o western foi um gênero de filmes e séries de sucesso. A passagem dos anos 50 para os 60 pode ter sido o auge do western para a TV, mas foi só em 1990 que o que talvez seja a maior pérola do gênero surgiu. Dança com Lobos (Dances With Wolves, no original), dirigido e estrelado por Kevin Costner, é indubitavelmente uma das maiores (e melhores) produções do cinema americano de todos os tempos.
O filme conta a história de John Dunbar, um oficial do exército da União durante a guerra civil americana. Logo no começo do filme, Dunbar se sente terrível por descobrir que terá que amputar a perna ferida. A idéia de viver sem uma perna mexe tanto com a cabeça do cidadão que ele resolve se suicidar, cavalgando abertamente no meio do fogo cruzado, atraindo os tiros do exército inimigo… mas Dunbar não morre. Inexplicavelmente, o homem escapa de todos os tiros, e acaba, sem querer, empolgando os homens de seu exército, que vencem a tropa confederada e tomam a posição inimiga. Depois da batalha, o cara é visto como um herói, e o cirurgião do próprio general cuida pra que a perna dele fique boa.
Como um prêmio pela bravura de Dunbar em batalha, os superiores do cara oferecem a ele o cavalo que ele cavalgou durante a batalha e a chance de escolher seu próximo posto. Ele pede então uma transferência para a fronteira oeste. E é aí que o filme começa a chegar no núcleo de sua história. Dunbar é transferido para um posto deserto, o forte Sedgwick, e começa a limpar e arrumar o local, esperando que os reforços cheguem. Suas únicas companhias são um lobo solitário (lobo mesmo, véi, não tô usando nenhuma metáfora ridícula pra caubói não), a quem Dunbar dá o nome de Duas Meias, por causa da cor de suas patas dianteiras e seu cavalo, Cisco. O cara começa a explorar sozinho as redondezas, quando descobre que índios Sioux-Lakota vivem por ali. O cara começa, então, a fazer contato com os índios, aos poucos, e acaba descobrindo que uma mulher branca vive como índia entre eles. Durante sua estadia no acampamento, Dunbar, que recebe dos índios o nome de Shu-mani-tu-tonka Ob’ Wa-chi (mas você só vai lembrar de “tatanca” durante o filme), passa a ver os índios não como os selvagens sanguinários que tinha ouvido falar, mas como um povo como qualquer outro. E ele começa a ver os motivos para alguns índios atacarem os brancos, como a matança dos búfalos que garantiam a sobrevivência dos índios, fornecendo comida, peles e por aí vai. É claro que saber que mais homens brancos estão vindo para o forte incomoda bastante tatân… er, Dunbar, que teme um conflito entre os dois bandos, sabendo que os homens brancos estão melhor armados e em maior número. Claro que eu não vou dizer aqui no que isso vai dar. Tiraria toda a graça do filme.
Um dos pontos mais marcantes do filme é que ele trata os índios de maneira diferente da maioria dos filmes de Hollywood, que geralmente tratam os índios ou como bandidos sanguinários que matam só por matar, ou como um povo infinitamente nobre e sem nenhum defeito, completamente irreal. Por ter retratado os Sioux como um povo de verdade no filme, Kevin Costner se tornou membro honorário do verdadeiro povo Sioux. Boa parte do filme é falado numa versão simplificada do idioma Lakota. A maravilha é que a linguagem tem tanto uma forma de fala masculina quanto uma feminina, e no filme, pra coisa ficar mais simples pros atores, só se usou a forma feminina. Imagina que maravilha ver os guerreiros da tribo todos falando como mulherzinhas, véi!
O filme ganhou sete Oscars, incluindo melhor filme e melhor trilha sonora. O próprio papa João Paulo II chegou a declarar que a trilha de Dança com Lobos é uma de suas peças de música favoritas. E é do caráio mesmo, véi. Enfim, um filme imperdível, ótimo em todos os detalhes.
Tendo falado de uma verdadeira lenda da guitarra como Eric Clapton, me sinto obrigado a falar de uma de suas maiores influências. E não só do Clapton, mas de um certo Jimi Hendrix, também, não sei se vocês boiolas conhecem. Subindo mais um degrau na grande linhagem do blues, chegamos a um ótimo showman, que consegue empolgar qualquer um com seus shows. E olha que eu ainda nem tô falando do REI. Nascido em 36, em Lettsworth, Louisiana, Buddy Guy é o assunto de hoje. E, dessa vez, eu vou fazer a coisa AO CONTRÍRIO: Eu vou começar o post já mostrando o cara PIRAR tudo e DEPOIS eu falo sobre ele… apesar de Robert Cray já falar tudo sobre o cara no começo do vídeo. Divirtam-se:
Ya’all can help me sing that, I don’t give a damn!
Esse é o hôme, tocando no Crossroads Festival 2004. Ao lado do Clapton, aliás. A música é Sweet Home Chicago, um clássico do blues. E não adianta esconder: eu sei que você também se empolgou com esse cara tocando essa famosa guitarra com bolinhas, véi.
George “Buddy” Guy cresceu no Louisiana, pressionado pela segregação racial nos EUA, onde tudo era separado para brancos e negros. Seu primeiro contato com uma “guitarra” foi aos sete anos. O instrumento era improvisado: duas cordas presas com os grampos de sua mãe num pedaço de madeira. E foi com esse instrumento que Buddy Guy passou várias tardes na plantação, aprimorando sua técnica. Mais tarde, a coisa começou a melhorar. Guy ganhou um violão acústico Harmony. Eram quatro cordas a mais para se preocupar, e também mais um passo em direção ao sucesso.
No começo dos anos 50, o cara tocava com algumas bandas em Baton Rouge, capital de Louisiana. Mesmo assim, Buddy Guy nunca tinha saído do estado, quando, em 1957, um amigo seu disse “Ce devia trabalhar em Chicago, negão. Lá ce trabalha de dia, toca de noite e ganha tua grana, véi!”. E, claro, entre ganhar seus 28 dólares por semana trabalhando na Universidade Estadual de Louisiana e ganhar uns 70 por semana, tocar de noite e ainda ter a chance de conhecer nomes famosos como Muddy Waters e Howlin’ Wolf, que é que ce acha que o cara escolheu? Pois é, el… claro que não, sua BICHONA! Porra de faculdade o quê, véi! Ele foi tocar, porra! Ele era Buddy Guy, véi! Tinha o mundo pra conquistar! Eu nem sei por que eu ainda faço perguntas pra vocês. Buddy então se mudou para Chicago, onde arrumou um emprego e começou a tocar em bares, sendo bem aceito pela platéia. O cara era realmente carismático, empolgava a negada fácil fácil. E foi em 1958 que o cara conseguiu um contrato de gravação, numa competição com Magic Sam e Otis Rush. Uma beleza á primeira vista, mas ao contrário do que parece, Buddy não passou bons bocados com as gravadoras.
A Chess Records, que contava com artistas como Willie Dixon e Little Walter, além dos já citados Muddy Waters e Howlin’ Wolf, foi também a gravadora de Buddy Guy de 1959 a 1968. Pois é, nove anos sob o selo, e o máximo que fizeram pelo cara foi gravar um único álbum, “Left My Blues In San Francisco”, em 1967. A maioria dos sons mais voltados pro soul, que tava estourando na época. Ou seja, lascaram legal o cara. Claro que eles não deixaram de aproveitar o cara: Buddy Guy era quem tocava a guitarra de acompanhamento para os grandes mestres do blues da Chess, e era sempre o primeiro nome a ser chamado. Enfim, quem quisesse ver Buddy Guy tocando guitarra de verdade tinha que ver seus shows ao vivo, já que a gravadora não ajudava. E foi assim que sua fama se espalhou pela Inglaterra: Foi no “American Folk Blues Festival”, festival inglês dos anos 60, que Buddy Guy foi ouvido por jovens músicos como Eric Clapton, Jeff Beck e os Rolling Stones. Buddy se espantou com o quanto sua guitarra influenciou os ingleses. O cara pirava o bagulho, jogava a guitarra pra lá e pra cá e levava o povo ao delírio. Mas, como ele próprio disse certo tempo depois, “(…)apesar de eu ter tocado em outro continente, em casa eu ainda não tinha uma gravação minha(…)”. O cara achava que o problema era por ele tocar muito alto ou por usar muito feedback, mas aí Hendrix e Clapton estouraram por aí com os mesmos “truques” dele.
Foi então que Buddy deixou a Chess Records, assinando contrato com a Vanguard. E foi aí, também, que Leonard Chess, fundador da gravadora, percebeu a besteira que fez em não ver o quanto o estilo de tocar de Buddy Guy venderia. Assim sendo, a Chess Records acabou lançando muito mais álbuns de Buddy depois que ele SAIU da gravadora. Uma maravilha, não?
Sempre com o sorrisão na cara, véi.
O estilo de tocar guitarra de Buddy Guy é único, variando desde o blues mais puro e tradicional até o jazz experimental aéreo. O cara manda bem não só no blues, mas também no rock, no soul, em tudo. Porra, se ce botar Buddy Guy pra tocar samba, é bem capaz de Adoniran Barbosa REVIVER pra ir no show do cara. No DVD Lightning In a Bottle, de Martin Scorcese, pode-se ver Jimi Hendrix admirado na platéia assistindo Buddy Guy quebrar tudo, e… não, não quebrar tudo como Kurt Cobain fazia, véi. O cara tocava com uma mão enquanto tomava cerveja com a outra, tocava com o pé, com a boca, com o pé na boca, com a boca nas costas, de cabeça pra baixo, lavando o convés, saqueando mouros, enfim, de tudo que é jeito. Se você não se empolga com um show de Buddy Guy, então você não se empolga com NADA. Aliás, você é uma BICHONA ALOPRADA. O cara sempre disse que queria tocar como B.B. King, mas que queria se apresentar como Guitar Slim. Não que você, tanga, conheça alguma coisa de guitarra, claro. O estilo de Buddy é explosivo, passando rapidamente de um solo profundo e lento a uma explosão de velocidade, e se resolvendo na mais profunda expressão do blues, com bends em duas ou três casas, e vice-versa, ou qualquer coisa parecida com isso. Ou diferente. E, é claro, o vozeirão do cara ajuda bastante, também.
Quanto aos prêmios, se é que alguém realmente se importa com isso, Buddy Guy foi introduzido (heh) na Rock and Roll Hall of Fame, pra onde doou aquele seu primeiro violão Harmony, e ganhou cinco Grammys. Agora, perto do que pode ser considerado o maior “prêmio”, isso são só souvenirs: Muddy Waters, pouco antes de morrer, disse a Buddy “Don’t let them goddamn blues die on me”. O cara praticamente passou a tocha do blues pro negão, véi. A Buddy Guy Foundation até hoje paga pelas lápides de músicos de blues já esquecidos, dando a eles o respeito que eles mereciam em vida.
Buddy, hoje com 71 anos, ainda toca em festivais, junto a grandes lendas do blues e do rock, como B.B. King, Eric Clapton, Jeff Beck e Carlos Santana. E mesmo assim você prefere ouvir Franz Ferdinand e Arctic Monkeys. Você é uma vergonha.
Como de costume, eu deixo vocês com mais do cara tocando:
Voodoo Chile. Até o próprio Hendrix pagaria pra ver esse cover.
Um exemplo do estilo explosivo de Buddy, num violão acústico
ORRÃâ€! Essa aqui eu aposto que ce já ouviu com o SRV tocando, véi.
…ah, claro! Buddy Guy, assim como o Clapton, também gravou com Mark Knopfler. Imagino que ces vejam onde eu quero chegar com isso.
E o próximo “Música para se ouvir no convés” terá uma agradável surpresa, aye? Enfim, imagino que o sobrenome Fogerty não seja desconhecido por vocês… ou pelo menos pelos PAIS de vocês.
Pois é. Vou falar sobre blues aqui, mais uma vez. Agora que eu comecei essa bagaça, nada vai me impedir de prosseguir ad infinitum. Da última vez, falamos de Stevie Ray Vaughan, um dos grandes gênios desse gênero musical que empolga pra carái. Dessa vez, falaremos sobre outra lenda viva do blues. O cara é visto como um dos grandes nomes do estilo, sendo imensamente respeitado até por gente que começou antes dele. Ele é… não, porra, ainda não é o Buddy Guy! Eu tô falando de Eric Clapton.
Não se engane pela aparência do cidadão: esse inglês de 62 anos com cara de cidadão pacato e esses óculos de bom moço que ce tá vendo aí ainda detona tudo com uma guitarra na mão. Nascido em 30 de março (como o NegoMedonho, aqui do aoe) de 1945, Clapton teve uma carreira invejável, fazendo sucesso com bandas como os Yardbirds, Cream, Blind Faith e Derek and the Dominos, e também na carreira solo. O cara toca até hoje, criando festivais como o Crossroads, onde vários guitarristas bons pra cacete se juntam pra tocar. Uma maravilha, devo ressaltar.
Clapton nasceu quando sua mãe, Patricia Molly Clapton, tinha 16 anos, e criaram o cidadão achando que sua avó era sua mãe e que sua mãe era sua irmã mais velha. Pois é, mais embolado que novela mexicana. Claro que a coisa não durou tanto tempo assim. Aos nove anos o cara descobriu a enrolação toda. E, é lógico, isso mexeu com a cabeça do sujeito. A partir daí, ele se tornou um garoto solitário e tímido, mas ce vê que nem isso impediu o cara de destruir tudo. Com treze anos, o sujeito ganhou um violão e uma marimba de aniversário, mas quase desistiu de aprender a tocar os dois, achando os instrumentos muito difíceis. Claro, a influência e o gosto pelo blues foram maiores. Ainda bem. O cara então entrou em sua primeira banda com dezessete anos, a British R&B, que se tornou The Roosters. Ficou lá de janeiro a agosto de 1963. Isso por um lado parece ruim, mas por outro, foi uma maravilha – afinal, em outubro desse mesmo ano, Clapton se juntou aos Yardbirds.
A banda, cujo nome é uma gíria pra prisioneiro, foi inegavelmente uma das maiores adições ao rock e aos anos 60. Foram eles quem trouxeram inovações como o uso de distorção (como fuzz box) na guitarra, por exemplo. Clapton já caceteava tudo na guitarra, na época, e era um fã irremediável do blues puro. E foi isso que o levou a sair dessa maravilha de banda. Enquanto o som dos caras mudava do blues pro pop rock psicodélico experimental, Eric Clapton ficava cada vez mais insatisfeito. Até que, em 1965, o cara disse “Ces traíram o movimento blues, véios!” e se mandou. Ou alguma coisa parecida. Claro que ele não deixou os caras na mão: indicou um guitarrista conhecido dele que tocava um som bacana pra tocar em seu lugar. Um tal de Jimmy Page, já ouviram falar? Pois é, e aí o Page indicou um certo Jeff Beck, mas sobre esses dois eu falo em outra matéria. Claro que eu não ia deixar vocês sem o gostinho dos primeiros passos de Clapton na escalada para o sucesso. Eis The Yardbirds com Eric Clapton na guitarra:
Oh, Louise! Why don’t you hurry home?
Em abril de 65, ele se juntou a John Mayall & the Bluesbreakers. O álbum Blues Breakers with Eric Clapton, um dos álbuns mais influentes de blues-rock da história, começou a transformar Eric Clapton numa figura lendária. A piração era tanta que nego pichava “Clapton is God” pelas ruas de Londres quando o álbum foi lançado. Foi no mesmo álbum, aliás, que a primeira música com Clapton no vocal, Ramblin’ On My Mind. Música, aliás, que você confere aí em baixo.
I got raaaaaaaaamblin’! I got raaaambling on my miiiind!
Em julho de 1966, apenas um ano após entrar nos Bluesbreakers, Clapton cascou fora e formou o Cream. A banda ficou conhecida por suas performances ao vivo. A improvisação mandava na bagaça toda, e, como todo mundo sabe, ou pelo menos DEVERIA saber, Eric Clapton improvisa bem pra caráio. Os caras também tinham bastante do rock psicodélico sessentista, lembrando um pouco gente como Jimi Hendrix, The Animals e Creedence Clearwater Revival. Canções como Crossroads (que nasceu da Cross Road Blues de Robert Johnson) e Sunshine of your Love são até hoje conhecidas pelos amantes do blues e do rock sessentista (e por jogadores de Guitar Hero, no caso da Crossroads). Clapton ainda se sentia tímido demais pra tomar o microfone pra si, mas mesmo assim cresceu como vocalista, cantando em algumas músicas, como a já citada Crossroads, Strange Brew e Badge. A banda lançou quatro álbuns (Fresh Cream, Disraeli Gears, Wheels of Fire e Goodbye) antes de se separar, em 1969. Como todo mundo aqui provavelmente já ouviu Crossroads até de trás pra frente, o vídeo que eu deixo dessa vez é o de Sunshine of your Love.
Depois do Cream, Clapton participou do rápido Blind Faith. Não que as músicas fossem rápidas: a BANDA é que foi. Duraram só um álbum, mas mesmo assim fizeram sucesso pra cacete. Mesmo assim, eu vou pular o Blind Faith e falar logo de Derek and the Dominos, se não essa porra não acaba hoje. E, claro, não dá pra falar de Derek and the Dominos sem falar de Delaney, Bonnie & Friends, visto que todos os músicos da primeira banda eram ex-membros da segunda, incluindo Duane Allman, da Allman Brothers Band, que, teoricamente foi um artista convidado pro primeiro disco dos caras. Na prática, por outro lado, dá pra dizer que ele foi integrante da banda, já que ele esteve em todos os álbuns. O grande problema com a banda de Delaney é que o cara e a Bonnie, que, aliás, eram marido e mulher, brigavam toda hora. Depois de um tempo, ninguém aguentou mais aquela putaria, é claro. Nego saiu e fundou a banda que já foi citada duas vezes aqui nesse parágrafo. O álbum deles, Layla and Other Assorted Love Songs, foi lançado em 1970, e é considerado hoje um dos pontos altos da carreira de Clapton, além de um dos maiores álbuns de rock’n’roll de todos os tempos. Uma maravilha, não? A música-título do álbum você confere aí em baixo, mas não com Derek and the Dominos, já que eu achei ela tocada num dueto do Clapton com Mark Knopfler. Se você quer ouvir a original, vá procurar, vagabundo.
Laaaaaaaaaylaaaaaa, you got me on my kneeeeees…
É claro que nem tudo foi bonito e certinho pra Clapton. Enquanto a carreira dele decolava e ele se tornava praticamente uma divindade da guitarra, sua vida pessoal ficava cada vez mais caótica. Seu vício em heroína só começou a ser tratado em 1971, e isso foi o início de uma pausa em sua carreira. Além das drogas, o guitarrista também foi personagem principal de um episódio sobre racismo em 1976, quando, visivelmente chapado, Clapton reclamou do crescimento da imigração na inglaterra, dizendo para o público não deixar o país virar uma “colônia negra”. Foram esses comentários (além de certas ações de David Bowie, também) que deram origem ao “Rock Against Racism” no reino unido. Clapton depois se desculpou, dizendo que na época andava com raiva porque um árabe tinha metido a mão na “poupança” de sua mulher. Compreensível, mesmo porque muita gente faz pior num caso desses. Além disso, seria até estranho que alguém que toca um estilo musical criado por negros desde o começo da carreira fosse racista, ainda mais sendo fã de B.B. King, Buddy Guy e mais uma porrada de negões. Enfim, passados o período da polêmica, o problema com o alcoolismo e as drogas, Eric Clapton começou a se reerguer. No final dos anos 70, o cara criou até um centro de reabilitação, o Crossroads Centre.
Nos anos 80 ele tocou duetos com Jeff Beck, além de participar de uma turnê de Roger Waters, trabalhar na trilha sonora de Máquina Mortífera e mais uma porrada de coisa. O cara tinha voltado de vez. Claro que os anos 80 também teve seus dias ruins: Clapton teve um caso com Yvonne Kelly, estando ainda casado com Pattie Boyd. Os dois acabaram tendo uma filha, Ruth, nascida em 85, mas Clapton só anunciou publicamente que tinha uma filha em 1991. Clapton também teve um caso com a modelo italiana Lory Del Santo, que deu á luz o seu filho Conor, em agosto de 86. Eric Clapton e Pattie Boyd se divorciaram em 1989. Mais tragédia atormentou sua vida no começo dos anos 90, com duas mortes: Stevie Ray Vaughan faleceu em 1990 enquanto estava em uma turnê com Eric Clapton, e, em 1991, seu filho Conor caiu da janela do 53º andar de um apartamento em New York. O sentimento pela partida dos dois acabou se tornando música: Six Strings Down, na voz de Jimmie Vaughan, e Tears in Heaven, na voz de Clapton. A segunda, que é a que nos interessa mais nesta matéria, foi parte da trilha sonora do filme Rush, e ganhou três Grammys. Clapton parou de tocar a música em 2004, dizendo que não sente mais a perda como sentia antigamente, e que, por isso, tocar a música não é mais a mesma coisa.
Além de tudo o que já foi dito aqui, Clapton já tocou com J.J. Cale, B.B. King, Frank Zappa, George Harrison, Carlos Santana, Bob Marley, Buddy Guy, Mark Knopfler, Hubert Sumlin e por aí vai. Eric Clapton toca até hoje, e provavelmente vai ser um dos grandes nomes da música ainda por muito, muito tempo.
Terminando tudo em grande estilo, um clássico de J.J. Cale tocado por Clapton (mais uma vez junto com Mark Knopfler): Cocaine.
She don’t liiiiiiie, she don’t liiiiiiiiiie, she don’t liiiiiiiie… cocaine!
quinta-feira, 31 de janeiro de 2008 – 
Talvez alguns de vocês se lembrem de A Capital dos Mortos. Pois bem, bando de maricas, foi dada a vocês uma nova chance de participar como zumbis.
