Você já deve ter estado numa situação onde um grupo de pessoas discute um filme específico (se você tiver amigos e ver filmes), e cada uma possui uma visão diferente para os acontecimentos do mesmo, você pensa o que eu estou fazendo aqui, este filme é muito ruim não entendi nada nele e estes loucos estão procurando explicações para o que ocorre em cena enquanto eu só queria comer pipoca e dar uns amassos na gatinha.
Pois bem, há um variedade de filmes obrigatórios de serem assistidos pois os mesmos viraram referência do que se chama FILMES CABEÇA, ou também filmes cult, volta e meia alguém pode fazer um comentário sobre o mesmo e você ficar boiando, loser. Claro que você pode argumentar que não gosta de filmes que não tenham menos do que 10 cadáveres ou cenas de lesbianismo, porém, lhe afirmo que vez ou outra vale a pena “viajar” nas imagens, sons e atores de determinados filmes, esquecendo o lado racional e lógico de tudo o que nos cerca, como se fosse uma experiência sensorial.
Para você saber do que estou falando aqui uma listinha básica da série como dar um nó na cabeça ou mesmo, não acredito que eu assisti este filme e não entendi nada:
CIDADE DOS SONHOS: Ninguém atualmente faz filmes mais sem pé nem cabeça do que David Lynch, desde os anos 80, Lynch nos brinda com perólas como Veludo Azul e, sua mais popular obra, Twin Peaks (afinal quem matou Laura Palmer? virou febre mundial). Em Cidade dos Sonhos, todos os ingredientes da obra peculiar de Lynch estão presentes: personagens bizarros e misteriosos, anões, mafiosos/bandidos e uma incrível incompreensão do que é real ou sonho/ilusão. Além disso, há Naomi Watts em início de carreira e, até, cenas de lesbianismo (viram é possivel unir dois gostos diferentes). Lynch é mestre em criar filmes cabeça, afinal, sua narrativa dificilmente é linear (como a maioria dos filmes atuais), Lynch brinca com flashbacks, delirios, sonhos e, ainda, modifica a ordem cronológica das cenas sem avisar o telespectador anteriormente, portanto, temos um “nó neurológico”.
Naomi Watts nos seduz e confunde em Cidade dos Sonhos
MAGNóLIA: É uma pena que Magnólia seja mais reconhecido pela famosa “chuva de sapos” (literal), porque afinal as pessoas sempre tentam encontrar explicações para eventos que simplesmente servem de simbolismo dentro da trama? Na verdade, o filme é um épico (até mesmo na duração, são três horas) sobre os dramas humanos como a relação de pais e filhos, tendo em sua narrativa mosaico (são mais de dez personagens interligados de alguma maneira) um roteiro forte e impactante que não cede para a fórmula “final feliz”. Além disso, Paul Thomas Anderson filma a fantástica cena que representa o clímax do sofrimento vivido por todos, que acabam se unindo ao cantar uma mesma música, Wise Up (de Aimee Mann, responsável pela trilha). Se você ainda quer teorizar sobre a chuva de sapos, há muitas interpretações que vão desde um evento ao “acaso”, como os mostrados no início do filme, há uma intervenção divina (prestem atenção em determinado momento do show de auditório aparece um cartaz no público com os dizeres Exôdo 8:2, onde se encontra uma referência á rãs). Mistéééério!
É um pássaro, é um avião…
Amnésia: Christopher Nolan (hoje mais conhecido por Batman Begins), exibiu todo seu talento de diretor num grande exercício de lógica e técnica narrativa, afinal, a história começa no que deveria ser a última cena e termina na sequência que deveria aparecer no ínicio do filme. Cada cena de Amnésia se inicia com o final da cena seguinte (hein?). Depois de sofrer um trauma, Leonard (Guy Pearce) passa a ser incapaz de se lembrar de fatos que acabaram de ocorrer em sua vida, porém, precisa descobrir o assassino da sua mulher, para isto começa a tatuar informações no seu corpo para informá-lo já que, em seguida, irá esquecê-las. Mesmo sendo uma trama simples sobre vingança a maneira como Amnésia é montado cria um verdadeiro quebra-cabeça no formato de um filme, imperdível.
Não esqueça de anotar o nome do filme
Obviamente, a lista poderia ser maior com títulos como Donnie Darko (de Richard Kelly), Preso na Escurisão (de Alejandro Amenabar), Brilho Eterno de uma Mente sem Lembranças (de Michel Gondry) entre outros, mas, já serve de aperitivo para você se entrosar com os filmes mais confusos/incompreendidos dos últimos anos.
A cada nova década surge sempre a discussão do porquê o faroeste não consegue sobreviver em Hollywood como um gênero, possivelmente os super-heróis e as aventuras forradas de efeitos especiais á base de computação gráfica impedem que isto ocorra. Mesmo assim, o faroeste ressurge sempre com um novo ciclo de filmes como o que está ocorrendo neste ano.
O cinema western, gênero clássico norte-americano (mesmo que outros paises tenham produzido faroestes, como a Itália com os western spaghetti), popularizado como faroeste, velho-oeste ou mesmo bang-bang, teve seu auge nas décadas de 40 e 50, após isso se tornou um gênero de produção bissexto, a cada nova década produções são realizadas para manter o espírito do faroeste vivo (sem muito sucesso comercial, salvo raras exceções) ou tentam reinventá-lo (como em Os Imperdóaveis).
O cenário clássico dos filmes é o Oeste americano (óbvio), desde o périodo que precede a Guerra Civil Americana (aquela do Sul escravista contra o Norte industrial) até a virada do século XX. É o tempo da ocupação de terras; do estabelecimento de grandes propriedades dedicadas á criação de gado; das lutas com os índios e a sua segregação; das corridas ao ouro na Califórnia; da demanda das terras prometidas (como o estabelecimento do Estado do Utah, pelos mórmons) e da guerra no Texas.
O gênero foi praticamente fundado em 1903 com The Great Train Robbery, de Edwin S. Porter, na época do cinema mudo. Foi desta maneira até o final da década de 20, depois disto houve até o surgimento de cowboys cantores como Gene Autry e Roy Rogers (Rei dos Cowboys). Na década de 30 diretores como Cecil B. de Mille (de Os 10 Mandamentos), que dirigiu o épico Jornadas Heróicas, e John Ford (mestre do gênero), responsável por No Tempo das Diligências (com o mais famoso cowboy da história, Joh Wayne), foram os destaques com produções que atraiam a atenção dos grandes estúdios para o gênero.
John Wayne: personificação do cowboy americano
Na década de 40 o tema que dominou o gênero nesse período foi dos bandidos célebres, cujo primeiro grande sucesso foi Jesse James (mesmo personagem interpretado por Brad Pitt que estréia nesta semana), de 1939, de Henry King, que iniciou uma grande quantidade de adaptações da vida de bandoleiros famosos do oeste, como Billy the Kid, Belle Starr, Calimity Jane, os irmãos Dalton e Younger. Uma Cidade que Surge, de Michael Curtiz, abre caminho para o tema “xerife que limpa a cidade infestada de bandidos”, enquanto que Consciências Mortas, de William A. Wellman, sobre linchamentos, é o western de tese social. O drama psicológico penetra no oeste com Sua Única Saída, e Golpe de Misericórdia, ambos de Raoul Walsh. Entre os westerns mais importantes da década estão os de John Ford, Sangue de Heróis, O Céu Mandou Alguém e A Legião Invencível; Rio Vermelho, de Howard Hawks (outro mestre do gênero), e Céu Amarelo, de William A. Wellman.
Em 1950, Flechas de Fogo, de Delmer Daves, é o primeiro a apresentar o índio como herói, numa tentativa de análise social, como Assim são os Fortes, de William A. Wellman. O épico é representado nesse período por Caravana de Bravos e Rio Bravo, ambos de John Ford. No campo psicológico, O Matador, de Henry King e Matar ou Morrer, de Fred Zinemann. Outros westerns importantes dessa década foram Os Brutos Também Amam, de George Stevens; Rastros de ódio, de John Ford; e Onde Começa o Inferno, de Howard Hawks.
John Ford, cineasta símbolo do faroeste
Já na década de 60, o faroeste ja apresenta sinais de cansaço, o que normalmente ocorre com “filmes fórmula”, há comédias como Butch Cassidy e Sundance Kid, de George Hill. A Violência é refletida no filme Meu ódio será sua Herança, de Sam Peckinpah (outro mestre). Nesta década surge os famosos western-spaghetti na Europa com filmes como Por um Punhado de Dólares, de Sergio Leone (outro mestre). Após estas décadas, o faroeste entrou num período de hibernação mas, a cada nova década alguns filmes tentam ressuscitar o gênero junto ao público.
Na década de 80, houve em Hollywood exemplos típicos do saudosismo do gênero com Silverado, de Lawrence Kasdan, e Cavaleiro Solitário, de Clint Eastwood (que tem seu nome ligado diretamente com o faroeste por ter surgido no gênero e, décadas depois, surge dirigindo este representante do western-spaghetti). Na década de 90, anos do politicamente correto, houve uma releitura do papel dos índios na época, passaram de vilões á vítima em Dança com Lobos, de Kevin Costner, e do pistoleiro solitário despojado de glamour e do heroísmo típico em Os Imperdoáveis, novamente de Clint Eastwood. Porém, nesta década, houve a bobagem As Loucas Aventuras de James West, misto de comédia com faroeste, com Will Smith e Kevin Kline, uma vergonha para o gênero.
Nestes últimos anos alguns títulos passaram em branco como Cavalgada com o Diabo, do chinês Ang Lee, Desaparecidas, de Ron Howard, e O Ílamo, de John Lee Hancock. No entanto, os maiores sucessos foram de filmes que utilizam a geografia do gênero como pano de fundo para tramas que envolvem a sexualidade dos cowboys (O Segredo de Brokeback Mountain, de Ang Lee) ou mesmo, questões sociais (Três Enterros, de Tommy Lee Jones).
Nesta semana e nos próximos meses, quatro produções chegam ao cinemas utilizando os dogmas do gênero ou sua geografia nos seguintes filmes: Os Indomáveis, de James Mangold; O Assassinato de Jesse James pelo Covarde Robert Ford, de Andrew Dominik; Onde os Fracos não têm Vez, dos irmãos Coen; e There Will Be Blood, de Paul Thomas Anderson.
O que os atores F. Murray Abraham (Amadeus), Louise Fletcher (Um Estranho no Ninho), Rita Moreno (Amor, Sublime Amor) e Brenda Fricker (Meu pé Esquerdo) têm em comum, além de você provavelmente não conhecê-los? São atores que receberam o prêmio máximo do cinema americano, o Oscar, e depois disso simplesmente viram suas carreiras escoarem para o anonimato. Ou seja, foram atingidos pela Maldição do Oscar.
prêmio ou provável maldição?
Eu sei que é uma lenda mas, como toda invenção, é inspirada em fatos reais. Se a mémoria não colabora para exemplificar e tentar entender o que aconteceu com os atores citados acima, fica mais fácil observar, hoje em dia, os recentes vencedores do prêmio, que particularmente, parece atingir com mais afinco as atrizes.
No mês passado com a estréia de Invasores, Nicole Kidman (linda e excelente atriz), viu seu nome apontado como mais uma atriz a ser perseguida pela Maldição. Desde seu Oscar pelo drama As Horas, Kidman rodou nada mais, nada menos que 8 filmes (sem contar a estréia no mês que vem de A Bússola Dourada), sendo que nenhum foi um sucesso de bilheteria e seu melhor projeto para mim foi o suspense A Intérprete, os demais foram Cold Mountain (onde foi ofuscada pelo Oscar de Renne Zellweger), Revelãções (chato…), Mulheres Perfeitas (sem graça), Reencarnação (chatíssimo), A Feiticeira (engraçadinho mas ordinário) e A Pele (bizarro). Daqui a pouco, Kidman vai receber somente a alcunha de ex-mulher de Tom Crusie.
Nova vítima da Maldição
Outro exemplo recente fácil de citar é Halle Berry, ganhadora merecidamente pelo difícil papel em A Última Ceia, Berry viu seu nome ser estampado com sucesso somente na cinessérie X-Men, quando protagonizou seus projetos os filmes foram fracassos memoráveis como em Na Companhia do Medo (que dia destes estava passando em três canais da tevê a cabo ao mesmo tempo e, pior, o filme é ruim), Mulher-Gato (fundo do poço hehehe, rendeu o prêmio Framboesa de Oura para a atriz), A Estranha Perfeita (suspense chinelo com Bruce Willis) e As Coisas que perdemos Pelo Caminho (inédito no Brasil mas, nos Eua passou em branco, drama em que atua com outro vencedor do Oscar, Benicio Del Toro – poderia citá-lo por aqui também).
Nos casos acima, como os prêmios são recentes, pode-se imaginar que as atrizes fizeram os papéis pelos cachês que deviam estar em alta logo após a premiação. Mas no caso de Marisa Tomei que acabou virando piada em Hollywood.
Um dos casos mais curiosos da Maldição
Além das previsões sobre os premiados, os especialistas sempre se perguntam: quem será a Marisa Tomei da vez? A atriz americana, de 41 anos, ganhou o Oscar de atriz coadjuvante por Meu Primo Vinnie (1992) em uma disputa difícil contra estrelas como Miranda Richardson, Vanessa Redgrave e Judy Davis. Apesar de Marisa Tomei ter protagonizado vários filmes depois do prêmio e, inclusive, ter sido indicada em 2002 na mesma categoria por Entre Quatro Paredes, sua carreira não tomou o rumo esperado. Tomei teve, inclusive, que suportar a piada maliciosa que circula em Hollywood de que ganhou o Oscar porque o apresentador Jack Palance (já bastante velho) não conseguiu ler “Vanessa Redgrave” no envelope e repetiu o último nome da lista de indicadas.
Mas nem só de atrizes que se faz esta Maldição, entre os atores isto também acontece, querem um exemplo de ator, ainda conhecido, mas que vive de projetos infelizes: Cuba Gooding Jr.. Após seu Oscar, por Jerry Maguire, Cuba se envolveu em projetos com nomes conhecidos como Melhor é Impossível (com Jack Nicholson), Amor além da Vida (com Robin Wiliiams) e Instinto (com Anthony Hopkins) depois disso foram filmes de segunda ou pior categoria, Na Sombra do Crime (nem eu lembro), Neve pra Cachorro (onde quem recebe mais destaque são os cães husky siberianos), Cruzeiro das Loucas (comédia idiota), Resistindo as Tentações (comédia religiosa com Beyonce), Meu nome é Radio (drama edificante para ele tentar ganhar um Oscar novamente, não deu), Fim de Jogo (hein?) e Norbit (onde serve de coadjuvante para Eddie Murphy, coitado!).
versão de calças de Marisa Tomei
Claro que são muitos os fatores que podem levar estes atores a verem suas carreiras naufragando em Hollywood, pode ser desde os produtores não quererem contratá-los porque terão que pagar salários milionários pois estes recém receberam a estatueta ou mesmo que continuem trabalhando, simplesmente, intepretam papeís ruins e filmes idem.
Esta semana temos o lançamento da versão em português do sétimo, e supostamente o último, livro da série Harry Potter, Harry Potter e as Relíquias da Morte e, na semana que vem, chega em dvd Harry Potter e a Ordem da Fênix, quinto filme desta cinessérie que, juntamente com a trilogia O Senhos dos Anéis, ressuscitou o gênero fantasia que há muito tempo não ganhava destaque no cenário mundial, tanto de crítica como de bilheteria. Por isto, faço hoje um apanhado da trajetória de Harry Potter nos cinemas, já deixando bem claro que o considero um passatempo bem produzido para toda família, mais que isso, é pedir muita consideração da minha parte.
Pra início de conversa não li nenhum dos livros lançados de Harry Potter (e nem pretendo!), logo, como um “trouxa” não tenho nenhuma intimidade com nomes como Rua dos Alfeneiros, Beco Diagonal, Grifinória e Sonserina. Assim não posso fazer um paralelo entre os livros e suas adaptações para a telona mas, como a escritora J. K. Rowling está envolvida supervisionando as produções acredito que elas não sejam muitos destoantes. O que posso dizer é que a saga do bruxinho de J.K. Rowling caiu como uma luva para os produtores ($) da Warner, onde melhor retratar magia se não nos cinemas?
A quimica destes atores ajuda no sucesso da franquia
Foram lançados até agora, cinco filmes, sendo o último Harry Potter e a Ordem da Fênix, obviamente, todos foram sucesso de bilheteria no mundo inteiro gerando bilhões para o estúdio e para a escritora. Com o sucesso editorial dos livros em 2001 chegou ao cinemas a primeira adaptação Harry Potter e a Pedra Filosofal, para isto foi escolhido o diretor Chris Columbus (também resposável pelo segundo filme), conhecido por fazer “filmes famílias”, como Uma Babá Quase Perfeita e Esqueceram de Mim, escolha óbvia porém, burocrática pois o diretor em momento algum se arrisca no filme, o que se vê é uma introdução aos personagens e ao universo mágico num formato episódico e arrastado.
Mesmo assim, a produção técnica do filme (e dos demais) é de encher os olhos, os cenários e figurino são ótimos, já os efeitos especiais quando utilizados de forma discreta funcionam, o mesmo não se pode dizer das criaturas do filme, há um troll medonho de tão mal feito. Uma característica presente em todos os filmes é a escalação dos melhores atores do teatro e cinema inglês em papéis coadjuvantes como, Alan Rickman, Maggie Smith, Emma Thompson, Kenneth Branagh, Gary Oldman, Ralph Fiennes, Imelda Staunton, entre outros (se fosse citar todos a coluna se transformaria nos céditos de um filme).
Além de um ótimo ator Alan Rickman tem o melhor personagem professor de Hogwarts, Severo Snape
No ano seguinte, em 2002, estreiava Harry Potter e a Câmara Secreta, novamente dirigido por Chris Columbus, a trama de Steve Kloves (responsável pelo roteiro dos quatro primeiros filmes), é melhor por dispensar as apresentações e começar a trabalhar na dinâmica dos personagens principais (Harry e seus amigos Rony e Hermione) em situações que aproximam, cada vez mais, Harry do vilão mor da série.
O melhor filme para mim de longe é Harry Potter e o Prisioneiro de Azkaban, de 2004, assumindo a direção está o mexicano Alfonso Cuaron (das incríveis fábulas A Princesinha e Grandes Esperanças, e do excelente drama E Sua Mãe Também). O grande mérito deste capítulo é o claro crescimento/amadurecimento dos personagens, além disso, a trama é bastante interessante e o clima sombrio toma de vez conta da história, notem como aquela auréa de “Era uma vez…” se perde neste episódio.
O quarto filme Harry Potter e o Cálice de Fogo, de 2005, dirigido por Mike Newell, dá um tempo no clima sombrio (que volta ao final da película), para recheá-lo com muita aventura, afinal de contas, neste capítulo é exibido o torneio Tribruxo, uma aventura com diversas provas entre bruxos de diferentes escolas (sabem, sinto falta de informações sobre todo o universo de Harry Potter, ficamos sempre restritos á Hogwarts, acredito que de repente nos livros deva ser melhor ilustrado isto o que não ocorre no cinema). Apesar dos desafios, o personagem Harry Potter nunca parece realmente correr risco de vida, o que é uma perda clara de tensão no filme. Mesmo assim, o melhor ficou para o final com a aparição em carne/osso e sem nariz de Lorde Voldemort (figura horrenda de Ralph Fiennes).
Excelente personificação do vilão da série por Ralph Fiennes
Já último e mais recente filme Harry Potter e a Ordem de Fênix, de David Yates (diretor também do próximo), puxa um pouco o freio da ação e da tensão em Hogwarts (Michael Goldenbergh assume a adaptação) entretanto, há uma subtrama sobre manipulação de informações na mídia por agências governamentais muito interessante e bem explorada pela trama (assunto que faltava nos filmes anteriores). A entrada de Dolores Umbrige, interpretada com requinte por Imelda Stauton, preencheu a trama, que mesmo não indo muito adiante, deu a oportunidade para a direção de arte caprichar em novos cenários, como o Ministério da Magia, a sala de Dolores e as placas de regras em Hogwarts.
Sendo a galinha do ovos de ouro do cinema atual, seria possível que o universo de Harry Potter termine neste sétimo livro? Fica aí, uma pergunta que deve estar passando na mente dos produtores e da Warner, apesar de estarem trabalhando ainda no sexto livro para ser lançado nos cinemas em novembro de 2008. O futuro da série a J.K. Rowling pertence!
Quando você achava que sua família e seus amigos já metiam o pitaco suficiente em sua vida, os produtores e diretores resolveram que obras de “auto-ajuda” poderiam muito bem render filmes que ganhassem tanto dinheiro quanto no mercado editorial, portanto, agora os filmes, também, são conselheiros ou psicólogos ou psiquiatras ou seu pai ou sua namorada (para achar que manda em você).
Estes filmes se inserem, talvez, em um novo gênero, o de filmes de auto-ajuda. É, agora temos um novo gênero para filmes. Prepare-se, essa moda já está pegando. E os primeiros são sempre fenômenos de vendas. Quem não gosta de ler, pode agora assistir um filme e se auto-ajudar (?). O primeiro neste gênero talvez tenha sido Quem Somos Nós?, documentário que relaciona conceitos da física quântica com acontecimentos do nosso dia-a-dia, o que o filme não relata é que estes conceitos são utilizados pelos físicos, normalmente, para o “mundo subatômico”.
Em seguida, fazendo tanto sucesso quanto Quem Somos Nós?, foi O Segredo, este baseado no que chamam de “Lei da Atração”, prega, através de depoimentos de especialistas (não me perguntem quem são eles!), que semelhante atrai semelhante. Pensar coisas ruins atrai coisas ruins. Pensar coisas boas atrai coisas boas. Resumindo, é a mesma lógica do pensamento positivo, só que agora com outro nome. A fórmula é antiga: dar nova roupagem para algo já velho, batido. Utilizar um nome novo para falar do que não é segredo nenhum. E, na carona de O Segredo, chegaram em dvd á pouco tempo os documentários O Segredo por trás de O Segredo (muito original este nome inclusive), O Segredo da Felicidade (deve ser mulher, carros, dinheiro e mais alguma coisinha) e Somos todos Um (este meu pai sempre fala quando pede pra mim colaborar com alguma coisa em casa).
Fenômeno Mundial: interessante ou Zzzzzzz?
Nem só de documentários vive este subgênero, o filme Poder Além da Vida (o melhor destes que estou citando aqui na coluna), é baseado no livro O Caminho do Guerreiro Pacífico, tem no elenco Nick Nolte e Amy Smart e conta a história de um ginasta que após um acidente tem que lhe dar com uma nova perspectiva através do contato com Sócrates, um estranho frentista que surge em sua vida. Mesmo utilizando frases de efeito sobre encontrar o destino e o poder do espírito humano, Poder Além da Vida é um filme muito interessante de ser assistido.
vale uma espiada
Já A Profecia Celestina e Conversando com Deus têm uma falha grave como filme, são produções de orçamento baixo com qualidade duvidosa de roteiro, elenco e efeitos. O primeiro é uma aventura esotérica que versa, principalmente, sobre o poder da energia que cada ser humano possui, no entanto, como filme falha ao inserir aventura e críticas sociais rasa como um pires. Em Conversando com Deus, recém lançado em dvd, temos a história de Neale Donald Walsch, um cara que após um acidente perde emprego, casa e se vê morando na rua até que começa a escrever cartas direcionadas para Deus pedindo ajuda. Não posso questionar o conteúdo dos filmes e documentários pois os mesmos dependem da crença de cada um, mas, como produções cinematográficas são fracos.
O que todos eles têm em comum é a mensagem típica dos livros de auto-ajuda. Basicamente, pregam o otimismo e a esperança, evitando o pessimismo frente á situações da vida cotidiana, o que é uma mensagem óbvia, no entanto, quando contado, seja em livro ou filme, por um estranho ganha contornos de novidade e verdade universal, basta acreditar.
Preparando as abóboras e a fantasia para a semana do Halloween que está se iniciando? Pois bem, resolvi pegar carona no tema e homenagear o maior escritor do gênero terror, Stephen King, com certeza o mais adaptado em filmes, curtas, mini-séries, séries e filmes televisivos.
O Mestre do Horror Moderno
Tendo seu nome associado, segundo o IMDB, em mais de 100 projetos audiovisuais, Stephen King, possui uma lista inenarrável de obras adaptadas para a telona. Em comum, além de quase todos se passarem em Maine, a maioria dos filmes são toscos e ruins, porém, normalmente, quando são obras adaptadas por diretores conceituados e possuem uma produção de primeira o sucesso é garantido. Por incrível que pareça seus filmes mais reconhecidos pelo grande público e crítica são os dramas e suspenses psicológicos.
Exemplo disso, quem não assistiu ao clássico da Sessão da Tarde, Conta Comigo (adaptado da novela O Corpo, da coleção Quatro Estações), que tinha direção de Rob Reiner, num filme sobre amizade e nostalgia, acabou revelando nomes como River Phoenix, Jerry O’Connell e tinha no elenco também Kiefer Suhterland e Richard Dreyfuss. Ou os excelentes dramas de presídio, Um Sonho de Liberdade (adaptado da novela Os Condenados de Shawshank, da coleção Quatro Estações) e á Espera de um Milagre (adaptado da obra O Corredor da Morte), filmes com alta carga dramática que foram, coincidentemente, dirigidos por Frank Darabont e tinham no elenco nomes como Tom Hanks, Tim Robbins e Morgan Freeman.
No que se refere aos suspenses psicológicos, os melhores filmes de King adaptados para o cinema foram Louca Obsessão (adaptado do livro Angústia), que contava a história de uma fã de um escritor que passava a cuidar do mesmo quando este sofre um acidente perto de sua casa, James Caan e Kathy Bates, ganhadora do Oscar por seu papel, fazem parte do elenco. Outro exemplo, este desconhecido, é O Aprendiz (adaptado da novela Aluno Inteligente, da coleção Quatro Estações), não o programa de Roberto Justus, mas sim, um suspense tenso e com interpretações inquietantes de Ian McKellen (Magneto do X-Men) e do sumido Brad Renfro, sob a direção de Bryan Singer (Os Suspeitos e X-Men).
Alguns filmes adaptados de Stephen King já são considerados clássicos do gênero terror como os excelentes Carrie – A Estranha (adaptado do livro homônimo) com a direção de Brian DePalma e os “novatos” na época Sissy Spacek e John Travolta no elenco; e, a que considero a melhor adaptação de sua obra, O Iluminado (adaptado do livro homônimo), com direção do mestre Stanley Kubrick e com o excelente ator Jack Nicholson, que marcaram a história do cinema recente com cenas como a onda de sangue jorrando quando abre a porta do elevador ou mesmo a cara de louco de Nicholson indo matar sua esposa que se esconde no banheiro, só para citar algumas. Outros podem ser considerados clássicos mas, de qualidade duvidosa, como Colheita Maldita (adaptado da história As Crianças do Milharal, do livro de contos Sombras da Noite) e suas inúmeras continuações, até onde eu saiba foram 7 e O Cemitério Maldito (adaptado do livro homônimo), que teve somente (?) uma continuação.
Adivinhe quem veio para jantar?
Os fãs mais fiéis dos textos de King, normalmente, elogiam as mini-séries que a tevê americana adapta de seus livros pois são quando tramas e personagens são melhores trabalhados num formato de maior duração. São alguns exemplos: It – Uma Obra Prima do Medo (adaptado do livro O Coisa), A Dança da Morte (adaptado do livro homônimo), Fenda no Tempo (adaptado da novela Langoliers, do livro Depois da Meia-Noite), Rose Red – A Casa Adormecida (roteiro original de King) e, atualmente no ar, em sua recém terminada sexta temporada a série The Dead Zone (baseado no filme de mesmo nome dos anos 80).
Se você já achou muito saiba que ainda há diversos projetos do autor sendo adaptados no momento, 1408, estréia no dia 02 de novembro (leia a crítica aqui) e O Nevoeiro, com estréia prevista para 21 de dezembro, este último com direção de Frank Darabont, numa agora trama de suspense sobrenatural. Para 2008, a mini-série televisiva The Talisman e o filme From a Buick 8. Para 2009, a mini-série televisiva Faithful: Two Diehard Boston Red Sox Fans Chronicles the Historic 2004 Season (quase não consigo escrever tudo!), obviamente que não é um terror, e o filme Cell, com direção de Eli Roth (de O Albergue).
Elenco de O Nevoeiro esperando a nova adaptação de Stephen King
Depois que Jim Carrey e Adam Sandler resolveram diversificar suas carreiras ou tentar ganhar um Oscar, demonstrando talento em filmes dramáticos (hein?) como O Show de Truman/Número 23 (Carrey) e Embriagado de Amor/Reine sobre Mim (Sandler), abriu-se espaço para novos comediantes no cinema americano fazerem sucesso. Surgiram diversos nomes em Hollywood, porém quem se destacou com a crítica (pelos roteiros) e o público (pelas bilheterias) foram dois grupos de comediantes. Estes comediantes, normalmente, vindos de seriados cômicos televisivos ou do já lendário programa Saturday Night Live.
Um destes é o Frat Pack (nome em homenagem ao grupo de cantores e atores liderados por Frank Sinatra nos anos 60 reconhecido como Rat Pack), grupo variado de comediantes com nomes como Ben Stiller, Owen Wilson, Luke Wilson, Will Ferrell, Steve Carrell, Paul Rudd e Vince Vaughn, somente para citar alguns. Em seus filmes sempre algum deles protagoniza enquanto outros participam em papéis coadjuvantes ou somente em participações especiais. Vários são os exemplos dos trabalhos deste grupo: Zoolander, Entrando numa Fria, Com a Bola Toda, O Âncora, Penetras Bons de Bico, etc.
Abaixo, um vídeo que faz uma paródia com as cenas do filme O Âncora, um dos filmes mais sem noção do frat pack, com a narração monstruosa do filme 300. Obs:reparem na participação de Tim Robbins, Luke Wilson e Ben Stiller.
O último exemplar do grupo foi o filme Escorregando para a Glória, protagonizado por Will Ferrell e Jon Heder, de Napoleon Dynamite (quem sabe um novo nome no grupo), além deles ainda há a participação de Luke Wilson. Em comum, os filmes do grupo possuem um humor mais grosseiro, não muito ofensivo, e atuações e situações exageradas do tipo “sem noção”. A maioria de seus filmes também exaltam a amizade masculina: geralmente os protagonistas formam duplas ou equipes tentando superar um desafio em comum. Somente para relembrar em Escorregando para Glória, dois patinadores de gelo expulsos das competições solos se unem para voltar as competições como dupla, com direito a coreografias duvidosas e colãs brilhosos, mais engraçado impossível.
Ferrell e Heder “soltando a franga” no gelo
Já o outro grupo que anda se destacando é o liderado pelo diretor/roteirista/produtor Judd Apattow, de filmes como O Virgem de 40, Ricky Bobby – A Toda Velocidade, Ligeiramente Grávidos e Superbad- É Hoje (que estréia nesta sexta nos cinemas). Estes filmes que citei ultrapassaram bilheterias de 100 milhões de dólares somente nos Eua (sem contar que são produções, geralmente, baratas). Apattow é o produtor de dois seriados desta década considerados já cults, Freaks and Geeks e Undeclared, ambos não duraram uma temporada no entanto, revelaram o estilo de comédia de Apattow e diversos de seus atores como, Seth Rogen (que também trabalha como roteirista em Superbad), Jay Baruchel (Ligeiramente Grávidos e Menina de Ouro), Jonah Hill (Ligeiramente Grávidos e Superbad) e Jason Segel (atualmente, em How I Met Your Mother).
Que tal a dupla dinâmica de Superbad
O estilo cômico de Apattow é completamente diferente do Frat Pack, em suas produções, os roteiro são criativos, irreverentes, inteligentes (acima da média) e, até mesmo, com toques dramáticos. Outro fator que se destaca é o carinho com que a história trata seus personagens nerds, em sua quase totalidade masculinos, por mais ridículos e irresponsáveis que estes sejam, o roteiro permite que eles sejam infantis e bobos mas, sem apelar para idiotices grosseiras.
Ainda é cedo para apontar mas, futuramente, estes comediantes podem entrar para o Hall da comédia mundial, ao lado de ícones como os irmãos Marx, Charlie Chaplin, Jerry Lewis, Mel Brooks e Monty Phyton. Sorte nossa!
Aproveitando a polêmica em torno de Tropa de Elite, já leu a resenha de Atillah?, não perca tempo, resolvi comentar com vocês outras produções que ganharam uma aura imortal no Olimpo cinematográfico por retratarem em filmes polêmicas como religião, sexo e violência (como acontece em Tropa de Elite). Inclusive, assim que tiver assistido este filme nos cinemas (a estréia aqui no sul é neste findi), coloco mais fogo na discussão ao redor do filme aqui no AOE.
Wagner Moura como Capitão Nascimento no filme mais polêmico deste ano
Vou começar pela polêmica mais “prazerosa”, filmes que relatam sexo nos cinemas, não é de hoje que alguma produção com um forte apelo erótico (óbvio que não vale filme pornô), sempre consegue manchetes na mídia referentes a cenas ou atores envolvidos no filme, e acabam ganhado status de filme maldito. O exemplo mais recente é o filme independente Brown Bunny (sei que você nunca deve ter ouvido falar), drama intimista dirigido/roteirizado/protagonizado pelo ator Vincent Gallo (ator de filmes estranhos como Cidade Sombria), que ficou conhecido na mídia como filme no qual Chloë Sevigny (de Meninos não Choram e Zodíaco) pagou um boquete em Gallo, filmado com todos os detalhes, só não sei se isto favoreceu o filme a carreira do filme. Brown Bunny, no Brasil, somente foi exibido em circuito restrito mas, será lançado em dvd em novembro pela Europa Filmes.
Browm Bunny, mais conhecido como o filme do boquete
No entanto, polêmicas em torno de sexo não são de hoje, as cenas de orgia do filme Calígula, de 79, são até hoje mencionadas pela “liberdade” do conteúdo. Outro polêmica pertence á Marlon Brando no filme de 72, O Último Tango em Paris, e o uso de manteiga numa determinada cena entre seu personagem e a personagem da atriz Maria Schneider. Já em Crash – Estranhos Prazeres, a polêmica envolve a excitação sexual dos personagens através de acidentes automobilísticos, nem preciso comentar a bizarrice do fetiche.
James Spader atracando a atriz Deborah Unger em Crash – Estranhos Prazeres
No que se refere á religião, A Última Tentação de Cristo, do mestre Martin Scorsese, chocou setores conservadores da Igreja e da sociedade, por tratar a figura de Cristo de uma perspectiva humana, reconstruindo a trajetória de Jesus a partir da hipótese dele ter optado por uma vida comum, sem assumir o ônus da salvação da humanidade, além disso, o filme ainda retrata uma versão da vida de Jesus casado com Maria Madalena. Temas religiosos ainda rendem polêmica desde a acusação de anti-semitismo sobre A Paixão de Cristo, de Mel Gibson, até ao tom esculachado da trama de Dogma, de Kevin Smith.
A única polêmica A Paixão de Cristo deveria ser a quantidade de sangue que jorra na tela
Voltando para o início da coluna, a polêmica em torno do retrato da violência no cinema também encontra exemplos em décadas atrás, como no filme de Stanley Kubrick, Laranja Mecânica ou mesmo, no retrato glamourizado de Oliver Stone para o casal de assassinos, Mickey e Mallory, de Assassinos por Natureza, até hoje criticado e elogiado pela idéia de justamente satirizar o sensacionalismo, a banalização e a atenção que a mídia presta a criminosos e á violência. Para fechar com chave-de-ouro, cito o fantástico e brutal Réquiem para um Sonho, de Darren Aranofsky, que retrata o vício em drogas num grupo de quatro personagens mas, que engloba além de drogas, remédios, roubo e prostituição para sustentar o vício num filme de imagens e questionamentos fortes.
Com a notícia divulgada nesta semana que Natalie Portman (gatíssima, de V de Vingança), entrou no elenco de Brothers, com Tobey “Homem-Aranha” Maguire e Jake “Brokeback Mountain” Gyllenhall, lembrei que este filme é, na verdade, uma refilmagem de um filme homônimo dinamarquês recente, acho que 2004, mas lançado comercialmente por aqui em 2005 (o dvd foi distribuído pela Califórnia Filmes). Brothers faz parte de uma nova “moda” do cinema americano, refilmar recentes filmes não falados em inglês (isto mesmo, americano é preguiçoso e não gosta de ler legendas), para o mercado americano.
Musa inspiradora da coluna
Ou pior do que não querer ler legendas, o grande problema por trás disso é a falta de originalidade das produções americanas atuais que, quando não são continuações ou são adaptações literárias ou são refilmagens de clássicos antigos. Fez sucesso internacional ou ganhou prêmios em festivais, compra-se os direitos (investimento mais barato e com certa garantia) e se refilma com mais dinheiro e um elenco mais conhecido com todos falando um inglês bastante fluente.
Num primeiro momento, você lembra que isto acontece somente com produções orientais, até porque, se acostumar com uma língua como a chinesa onde, por exemplo, parece que todos estão gritando (principalmente as mulheres) é irritante. São vários os filme já adaptados pelos americanos, temos desde os já famosos O Chamado (1 e 2), O Grito (1 e 2), Ígua Negra até os mais recentes e prontos para serem lançados One Missed Call (que teve o pôster divulgado aqui) e The Eye (este imperdível pela presença da hot Jessica Alba). Mas, nem só de assombrações de meninas cabeludas vivem estas refilmagens americanas, no ano passado, o argentino Alejandro Agresti dirigiu para o mercado americano a refilmagem de Siworea, romance sul coreano de 2000, que recebeu o título de A Casa do Lago, um dos melhores filmes de mulherzinha de 2006.
cena assustadora de The Eye ou “ahhh!Quemei o bolo!!”
Falando em argentinos, Steven Soderberg (cineasta da cinessérie Onze Homens…) produziu uma versão de Nove Rainhas (2000), espetacular filme de golpe e trapaça dirigido pelo falecido Fabian Bielinsky e protagonizado pelo ótimo ator Ricardo Darin (O Filho da Noiva), que na versão ianque recebeu o título de 171, mas, neste caso a refilmagem ficou muito aquém do original.
Dois outros exemplos recentes estiveram em cartaz neste ano: Um Beijo a Mais, comédia romântica dirigida por Tony Goldwin e protagonizada por Zach Braff (Scrubs), é na verdade, baseada no italiano O Último Beijo (disponível em dvd), do agora internacional diretor/roteirista Gabriele Muccino (Í Procura da Felicidade). Neste caso, os filmes se equivalem até porque na versão americana, o roteiro foi adaptado com algumas idéias criativas de Paul Haggis (roteirista da moda em Hollywood, escritor de Crash – No Limite e Menina de Ouro). O outro caso é Os Infiltrados, ganhador do Oscar neste ano, adaptado por Willam Monahan e dirigido pelo mestre Martin Scorsese, o filme original é o chinês Conflitos Internos (disponível em dvd), ambos os filmes muito bons, sendo que o chinês é um pouco menos convencional do que a versão americana.
Dois motivos para ver Um Beijo a Mais: Rachel Bilson e Jacinda Barrett
Claro, que não há convenção que diga que uma refilmagem, necessariamente, seja inferior ao original, somente o que me chama a atenção é esta tendência do mercado americano de mimetizar (palavra difícil, hein?), outras produções que, diferentemente deles, conseguem inovar em tramas e argumentos. Claro que facilita, principalmente na cabeça do produtor, que um filme já testado em outras platéias e aprovado, seja uma garantia de retorno financeiro para ele também, porém, este tipo de refilmagem está se tornando um hábito em tempos onde a criatividade é artigo raro em Hollywood, refletido no baixo número de filmes americanos originais que realmente impressionam as platéias atuais.
Estava eu assistindo a segunda temporada do seriado Entourage, que mostra os bastidores de um astro em Hollywood, quando surge uma questão bastante curiosa: após fazer um filme independente, o jovem astro Vince Chase é meio que obrigado pelo seu agente a fazer o filme Aquaman, uma super produção com um cachê milionário, que Vince necessita para pagar sua nova mansão e seu dispendioso custo de vida. Assim, me lembrei que vira e mexe algum ator de prestígio, principalmente após ganhar um prêmio como o Oscar, se envolve em produções de qualidade duvidosas que somente se justificam por inflacionarem seus cachês, escolhas equivocadas do próprio ou a divulgada Maldição pós-Oscar.
O primeiro nome que me vem á mente é Nicolas Cage. Sobrinho do diretor Francis Coppola, Cage abocanhou o Oscar em 94 pelo excelente desempenho como alcoólatra em Despedida de Las Vegas. Desde então, o ator vem diversificando suas escolhas em produções menores e filmes de ação, como 60 Segundos e Com Air. No entanto, nestes últimos dois anos Cage apareceu em nada mais, nada menos do que em cinco produções: O Sol da Cada Manhã, As Torres Gêmeas, O Sacrifício, Motoqueiro Fantasma e O Vidente (que estréia agora). Em comum, todos os filmes foram mal de bilheterias, inclusive Motoqueiro Fantasma, que mesmo rendendo mais de 100 milhões de dólares nos EUA, era esperado muito mais pelo investimento no filme (também na faixa dos 100 milhões).
“Como este roteiro porcaria caiu em minhas mãos?”
O futuro de Cage ainda está atrelado a filmes comerciais como a continuação do seu último sucesso A Lenda do Tesouro Perdido, que estréia no final do ano nos Eua e por aqui em janeiro. Mas ainda em 2008 Cage terá a chance de se redimir no drama Amarillo Slim, do excelente diretor Milos Forman, de Amadeus e O Estranho no Ninho.
Outro exemplo fácil de encontrar é o ator Cuba Gooding Jr., que ganhou o Oscar de ator coadjuvante por Jerry Maguire (da famosa cena “Show me the Money”). Depois do prêmio, Cuba ainda se envolveu em produções como Homens de Honra, com Robert De Niro. No entanto, nos últimos anos encontra-se o ator fazendo filmes de ação de segunda categoria, como End Game e Dirty (lançados diretamente me dvd) e nas comédias idiotas americanas como Norbit e na continuação de A Creche do Papai, que irá estrear nos cinemas (a princípio) com o título Acampamento do Papai, fracasso de bilheteria nos Eua. Imaginem a qualidade do filme.
Bom ator? dúvidas…
Contudo, esta situação não se restringe somente aos atores. Atrizes de renomado talento se perdem em produções de pouco reconhecimento, como Marisa Tomei, que ganhou o prêmio de atriz coadjuvante por Meu Primo Vinny (alguém ainda lembra deste filme?). Mesmo a bi-oscarizada Hilary Swank, que a cada Oscar ganho faz produções como O Núcleo e A Colheita do Mal. Porém, atriz que me chama a atenção pelas más escolhas é Halle Berry. De talento inegável (quem viu A Última Ceia pode notar), vem optando por produções de grandes estúdios, como a cinessérie X-Men e 007, ou ainda produções constrangedoras como Mulher-Gato, Na Companhia do Medo e o recente A Estranha Perfeita. A atriz ainda não conseguiu encaixar um filme decente desde seu merecido Oscar. Com certeza isto deve estar preocupando seu agente e a própria atriz.
Uma foto menos formal
De concreto, fica-se com impressão da difícil tarefa que deve ser escolher um filme somente pelo roteiro, ou mesmo argumento, sem saber direito quem deve ser o diretor ou os demais atores do elenco. Mas nota-se que sempre que um ator se destaca por uma interpretação num filme menor, inegavelmente seu agente ou empresário deve forçá-lo a aceitar o convite de algum produtor de Hollywood para aumentar o cachê do mesmo, independente do filme. Por vocês que atores se venderam por um ótimo cachê em um filme ruim?
sexta-feira, 30 de novembro de 2007 – 
